Crónicas, Observatorio

Cuestión de gustos

Diez de los títulos más potentes del cine nacional entre un listado de las 100 mejores

Una encuesta hecha por tres revistas de cine sobre los 100 mejores títulos del cine nacional, donde participaron 546 votantes de distintos ámbitos del quehacer cinematográfico eligiendo sus diez preferidas, se presentó en el 37° Festival de Cine de Mar del Plata. Aquí las elegidas por este cronista


Entre las actividades especiales del reciente 37° Festival Internacional de Cine de Mar del Plata, hubo una que tuvo un enorme rebote en medios y redes sociales: la presentación pública de la encuesta realizada por las revistas de cine Taipei, La Vida Útil y La Tierra Quema, que llevó como título Las 100 mejores películas del cine argentino, donde participaron 546 votantes pertenecientes a distintos ámbitos de la realización cinematográfica argentina (directorxs, guionistas, productorxs, actores, actrices, directorxs de fotografía, montajistas, sonidistas, etcétera), así como críticxs, periodistxs, programadorxs, investigadorxs, coleccionistas, cineclubistas y cinéfilxs.

La convocatoria a la encuesta se completó con la inclusión de figuras importantes de otras áreas de la cultura nacional que tienen un interés o relación especial con el quehacer cinematográfico como, entre otros, Emilio Bernini (editor de la revista-libro de cine Kilómetro 111); el conductor, escritor y músico Alejandro Dolina; la narradora en boga Mariana Enríquez. El ranking de las cien mejores películas del cine argentino es un proyecto que tiene como antecedente las encuestas llevadas a cabo por el Museo del Cine Pablo Ducrós Hicken entre 1977 y 2000,  y el proyecto de las publicaciones mencionadas se  propuso trazar un panorama actualizado que reunió a distintas generaciones y profesiones del universo cinematográfico argentino con el objetivo de convocarlos a reflexionar acerca de la historia y el estado del cine nacional.

Cada uno de los convocados debía elegir diez films entre la totalidad de las producciones nacionales. Este cronista fue uno de ellos y armó entonces una lista de títulos que, como toda acción de este tipo, siempre resulta arbitraria, aunque, a su modo de ver, son también representativas de un estado de cosas del cine nacional y de la realidad argentina, esta última incluso potenciada por las propuestas ficcionales. La selección de títulos, con el puntaje entre paréntesis que alcanzaron entre los más votados de los cien, es la que sigue, y cada uno cuenta con el fundamento de su elección.

Las elegidas entre las cien mejores películas del cine nacional

1-El dependiente / Leonardo Favio / (4)

2-El romance del Aniceto y la Francisca / Leonardo Favio / (13)

3-Raymundo / Virna Molina y Ernesto Ardito / (6)

4-Los traidores / Raymundo Gleyzer / (13) 

5-La mujer sin cabeza / Lucrecia Martel / (24) 

6-Zama / Lucrecia Martel / (19)

7-Alias Gardelito / Lautaro Murúa / (54)

8-La hora de los hornos / Fernando Pino Solanas / Octavio Getino / (6)

9-Desierto negro / Gaspar Scheuer / (62)

10-El aura / Fabián Bielinsky / (12) 

Tanto El dependiente (Leonardo Favio, 1969) como El Romance del Aniceto y la Francisca (L. F. 1966) son títulos que irrumpen con una fuerza arrolladora en el cine nacional de los 60, capturando algo de la calidad formal de la llamada “generación del 60” (léase Kohon, Kuhn, Antín) pero proponiendo la entrada a un universo de otro tipo de perdedores, casi una suerte de existencialismo popular donde los dilemas se sustancian de una manera tan directa como el aire que respiran sus protagonistas. Favio se corre un poco del sesgo neorrealista de Crónica de un niño solo (1964) y articula planos sutiles y enfáticos, exhibiendo su destreza para una narrativa sumamente elaborada.

Raymundo es un exquisito homenaje a uno de los documentalistas más comprometidos e interesantes de los 60 y 70. Molina y Ardito ya venían consumando una obra con personajes emblemáticos como Alejandra Pizarnik, Julio Cortázar, Jorge Luis Borges, Paco Urondo, entre otros, y con este film, de más largo aliento, se acercan a la figura de Gleyzer para indagar sobre qué significó su práctica radical en lo que se conoció como cine revolucionario y que en su caso se llamó Cine de la Base. Se valen de imágenes de archivo potentes que revelan el paño artístico y la dimensión política desde las que Gleyzer construía su cine militante.

Los traidores (Raymundo Gleyzer, 1973) es uno de los relatos más deslumbrantes acerca de la burocracia sindical, uno de los males congénitos de un país dependiente y sometido. Gleyzer captó ese engranaje siniestro y absurdo desde donde se dice representar a los trabajadores mientras funciona como un dique de contención de cualquier acción que tienda a dignificarlos. La recreación precisa que hace el realizador en una contundente puesta en escena devela la “mugre” de las negociaciones sindicales como no se había visto hasta entonces en el cine nacional. El compromiso vital de Gleyzer se potenciaba a partir de la concepción artística del relato en lo que sería su primera ficción.

Decir que la irrupción de Lucrecia Martel conmovió los cimientos del cine nacional entrando al siglo XXI y desprendiéndose de aquella denominación caprichosa llamada “Nuevo cine argentino” con ideas, pensamientos y una magnífica intuición para bucear en los pliegues de una realidad siempre aparente, ya resulta conocido. En La mujer sin cabeza (Lucrecia Martel, 2008), la realizadora va haciendo jugar un proceso voluntario de olvido desprendiendo capa tras capa en un clima verdaderamente conmovedor. Dolor, violencia, sinsentido, todo contribuye para que en deslumbrantes puestas en escena y un uso del sonido que potencia cada imagen, el cine de Martel se vea como esencial, un cine que se vale de su especificidad para experimentar y buscar nuevos caminos. Zama (Lucrecia Martel, 2017), tratándose de una adaptación, compleja y ya trazada, va en esa misma dirección. Sólo una sensibilidad como la de Martel podía con una de las novelas más cautivantes de la literatura nacional.

Como los hermosos relatos de Bernardo Kordon, del que adapta el del título homónimo, Alias Gardelito  (Lautaro Murúa, 1961) es una pieza aceitada sobre las vicisitudes del hombre inmerso en un entorno hostil que no es ni más ni menos que el de la sociedad volviéndose cada vez más opresiva. “El hombre y las circunstancias de un sistema que excluye”, al decir del mismo Lautaro Murúa que supo pintar acabadamente a los desclasados y marginados en la figura del ladronzuelo que busca emular al zorzal criollo. Impactante paleta de matices en blanco y negro para urdir el clima de un cine estrictamente social.

La hora de los hornos (Fernando “Pino” Solanas y Octavio Getino, 1968) fue el film que tradujo más acabadamente el hecho político que significa la idea de luchar por la liberación en un país sometido y usar el cine como un arma. Todo a partir de un lenguaje cinematográfico vertiginoso y revelador, con virtuosos planos secuencias y contrapicados, de los niveles de injusticia que viven los necesitados locales y latinoamericanos, con abrumador –por lo inédito y lo cruento– material de archivo, entrevistas y algunas recreaciones. Solanas inaugura esta forma de cine político con el objetivo de contrainformar, algo que respondía a las premisas del grupo Cine Liberación del que formaba parte. Documento imprescindible del cine argentino.

El western nativo del sonidista Gaspar Scheuer con una virtuosa fotografía en blanco y negro innova y da otro relieve al relato gauchesco, muchas veces arruinado por una falsa grandilocuencia. En su mayoría, la crítica le fue ingrata pero Desierto negro  (G.S. 2007) es uno de los films más innovadores en su tratamiento y en el perfil que traza del gaucho renegado con ansias de venganza. El drama está más implícito en la estética del film que en las desventuras del gaucho perseguido.

El segundo título del malogrado Bielinsky dobla la apuesta sobre el manejo de un método clásico para narrar que ya había demostrado en Nueve reinas (Fabián Bielinsky, 2000), aunque aquí pone todo el énfasis en la estrategia para tornar un thriller en algo más que un exponente del género. El aura (F. B. 2005) es una experiencia radical sobre los modos en que el personaje principal no resiste la espera para terminar con su rutinaria existencia y más que pergeñar verdades sobre su comportamiento, El film pone a funcionar interrogantes sobre moral, poder, deseo con un ritmo atrapante y un montaje aceitado, digno de los mejores clásicos del género.

La encuesta completa puede consultarse aquí

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